Los isométricos son representaciones gráficas de un objeto geométrico tridimensional reducido a dos dimensiones a través de una proyección paralela.
Proyección ortogonal
Perspectiva Aérea
El Expresionismo.
El Grito de Edvard Munch es una colección que contiene 4 cuadros diferentes: uno de los cuadros fue a una colección privada y los otros tres se encuentran en diferentes galerías y museos. Las técnicas utilizadas para pintar este cuadro fueron: temple, pastel sobre cartón y óleo. Además de esto es importante mencionar que forma parte del estilo expresionista y que es uno de los cuadros más importantes de Munch y del estilo (incluso su importancia se compara con la Gioconda de Leonardo Da Vinci).
¿Qué significa el cuadro El grito de Edvard Munch?
Lo primero que podemos ver cuando miramos el Grito es a una persona con un gesto de angustia muy fuerte y que rápidamente nos hace sentirnos conectados con la pintura. También podemos ver que las formas están realmente retorcidas y que los colores del cuadro parecen no tener mucho sentido, todo esto busca aumentar un poco la ansiedad de la imagen principal y de lo que se busca hacer sentir a quienes ven el cuadro: la desesperación o la angustia que siente el personaje que grita en la pintura. ¿A ti te parece que el personaje de la pintura está gritando o escucha un grito muy fuerte? Este es uno de los grandes debates que ha generado esta pintura a lo largo de los años. Para los expertos en pintura y en las obras de Munch el personaje escucha un grito y por eso siente esa fuerte angustia. El cuadro puede significar muchas cosas e incluso reconocer lo angustiado que podía sentirse el hombre moderno con las transiciones a las que tuvo que enfrentarse por los avances de la tecnología, por sentirse solo en el mundo y por muchas otras cosas más.
Actividad 4,Colorear de forma creativa la copia de la obra dance de Henri Matisse, realizar un trabajo creativo original del salón de arte aplicando el estilo de la corriente fauvista,
Fauvismo
Dance Henri Matisse 1910
Andrea Imaginario
Especialista en artes, literatura e historia cultural
El fauvismo o fovismo fue un movimiento pictórico de vanguardia que tuvo
su origen en 1905 en París, Francia. La máxima plástica del fauvismo fue
la exaltación del color, sustentada en la idea de que la creación surgía del instinto más que del intelecto o de los sentimientos.
Ahora bien, ¿cuáles son las características del fauvismo? ¿Cómo y cuándo se
originó el arte fauvista? ¿Qué significa y de dónde proviene la palabra fauvismo?
Características de la pintura fauvista o fovista
Henri Matisse, La raya verde (Amélie Parayre), 1905, óleo sobre lienzo, 40 cm x 32 cm, Galería Nacional de Dinamarca, Copenhague.
En este segmento, podremos ver cuáles son las principales características del movimiento fauvista.
Exaltación del color
Aunque el fauvismo aún está atado a la representación de la naturaleza, es decir, de los objetos reconocibles, no busca la representación naturalista, sino exaltar el valor del color en sí mismo, al que prefieren usar en su estado puro y de manera directa.
Por ende, la obra fauvista hace gala de una coloración atrevida. Usa colores de manera brutal y con relativa arbitrariedad, procurando deliberadamente una sensación de disonancia que rompa la asociación del color con la representación de la realidad tal como ella es concebida.
Instinto e impulsividad
Más que indagar sobre los sentimientos o pensamientos del artista, el fauvismo exhibe el flujo del instinto creativo. En consecuencia, las líneas y los colores resultan de gestos impulsivos, pretendiendo con ello alcanzar la genuinidad atribuida a los niños o a lo “salvaje”, es decir, a aquello que no ha sido “tocado” por el orden civilizatorio dominante.
Desinterés por la perspectiva y el modelado
Maurice de Vlaminck, La chica de Rat Mort, 1905-1906, óleo sobre lienzo, 32,7 x 46,7 cm, colección privada.
Otro rasgo del arte fauvista fue el desinterés por la profundidad espacial, la perspectiva y el modelado y, con ello, por el claroscuro. Las figuras del plano fauvista suelen ser planas, y algunas veces aparecen delimitadas por gruesos contornos. Se desvanece, pues, la pretensión de construir imágenes que imiten el mundo visible.
Trazos espontáneos y sueltos
En coherencia con el sentido del instinto, en la pintura fauvista dominan los trazos espontáneos. Desde el punto de vista de la composición, estos trazos aparecen sueltos y suelen ser definitivos, esto es, no sujetos a perfeccionamiento y al acabado, ya que ello iría en contra de la “intuición”. Así, muchas veces estos trazos derivaban en manchas que creaban efectos particulares.
Ausencia del trabajo al aire libre
Mientras que movimientos como el impresionismo se habían permitido trabajar al aire libre, el fauvismo, al igual que otras corrientes, vuelve al trabajo en el estudio, ya que no le interesa la observación de la naturaleza sino el lenguaje plástico, con énfasis en el color y su capacidad expresiva.
Temas del fauvismo
Los temas del fauvismo podían abarcar el espectro de los retratos, los paisajes, los objetos cotidianos, la relación idílica del ser humano con la naturaleza y las escenas de interiores.
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Contexto histórico y origen del fauvismo
André Derain, Puente sobre el Riou, 1906, óleo sobre lienzo, 82.6 x 101.6 cm, Colección de William S. Paley.
Hacia finales del siglo XIX, el arte comenzaba una importante transformación, fruto de muchos procesos que convergieron. Por ejemplo, la influencia del romanticismo había animado a las generaciones siguientes a buscar un lenguaje personal y original. Por otro lado, la aparición de las tecnologías de la imagen, como la cámara fotográfica, incidieron en el modo en que era concebida la función del arte occidental.
Así, para el último tercio del siglo XIX, ya se veían propuestas arriesgadas como el impresionismo, el postimpresionismo, el simbolismo, el arte naif y otras corrientes. El fauvismo, de hecho, fue contemporáneo con el expresionismo alemán y, al igual que este, defendía la libertad expresiva.
El fauvismo logró abrirse espacio en el Salón de Otoño de París en 1905, que dedicó la sala número ocho a los artistas Henry Matisse, Maurice Vlaminck y André Derain. Pero las características de sus obras escandalizaron a la audiencia y, especialmente, a algunos críticos más conservadores. Los cuadros mostraban colores estridentes e incoherentes con la “realidad”.
Aquello fue un espectáculo impactante y desafiante, de modo que el crítico Louis Vauxcelles se expresó de este modo: “Donatello chez les fauves”, que en francés quiere decir: “¡Vaya! Donatello entre fieras”. Así, lo que comenzó como una descalificación, fue asumido por los artistas como el nombre del nuevo estilo: “fauvismo”, el movimiento de “las fieras”.
No se puede decir que el fauvismo haya sido un movimiento con un manifiesto programático, como sí lo fue el futurismo, por ejemplo. Sin embargo, sus artistas compartían el interés por la exaltación del color y la intención de ruptura. En consecuencia, para el año 1908 el fauvismo se diluyó. Sin embargo, su influencia fue fundamental para la primera generación de vanguardistas.
Principales artistas y obras del fauvismo
Henri Matisse (1869-1954)
Henri Matisse, La alegría de vivir, 1906, óleo sobre tela, 175 x 241 cm, Fundación Barnes, Filadelfia.
Pintor, escultor, litógrafo y dibujante francés. Estuvo interesado en la composición más que en las figuras en sí. Abandonó la perspectiva, la profundidad espacial, el dibujo y el claroscuro para tratar el color como un valor en sí mismo. Recibió la influencia de Vincent van Gogh y del arte exótico. Fue una figura de gran importancia en la obra de Pablo Picasso y otros artistas de su generación.
André Derain (1880-1954)
André Derain, Mujer en camisa, 1906, óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm, Galería Nacional de Dinamarca, Copenhague.
Pintor de origen francés. Trabajó con el uso de colores brillantes, trazos enérgicos y pinceladas sin continuidad. Fue ampliamente influenciado por Cézanne, lo que despertó su interés por el cubismo una vez que la oleada fauvista se diluyó. Años más tarde, volvió a un tipo de pintura que ha sido calificada como de tono “neoclásico”, estilo que siguió desarrollando de allí en adelante.
Maurice de Vlaminck (1876-1958)
Maurice de Vlaminck, El huerto, 1905, óleo sobre lienzo, colección privada.
Pintor francés, proveniente de una familia de músicos. Incursionó en diferentes corrientes como el realismo y el expresionismo, y fue muy influenciado por la singular obra de Vincent van Gogh. Fue muy amigo de Derain, con quien estableció un estudio desde el que trabajaron juntos.
Raoul Dufy (1877-1953)
Raoul Dufy, Bañistas, 1908, óleo sobre lienzo, 38 x 46 cm, colección privada.
Pintor, grabador y decorador francés. En sus inicios, incursionó en el estilo impresionista de finales del siglo XIX. Gracias a la influencia que ejerció Matisse en él, se aproximó a la estética fauvista. Su obra estuvo caracterizada por el uso de la geometrización y el contraste de tonalidades.
El cubismo.
Actividad 3. pintar la copia de la obra cubista las señoritas de avingnon y un paisaje urbano estilo cubista-
Especialista en artes, literatura e historia cultural
El cubismo fue el primer movimiento artístico de vanguardia del siglo XX. Nació en el año 1907 y finalizó en 1914 de la mano de los pintores Pablo Picasso y Georges Braque. Su impacto fue tal que se le considera precursor de la abstracción y de la subjetividad artística en su sentido contemporáneo.
El movimiento cubista establece, por primera vez en la historia, una auténtica ruptura con el arte occidental que, hasta entonces, se basaba en la imitación de la naturaleza y en la idea de belleza, lo que supuso entonces un gran escándalo, sobre todo entre los más conservadores. Pero ¿en qué consiste el cubismo? ¿Por qué se dice que es un movimiento revolucionario? ¿Qué aportó a la historia del arte y a la cultura occidental? ¿En qué reside su importancia?
Características del cubismo
Pablo Picasso: Mujer con mandolina. 1910. Óleo sobre lienzo. 100.3 x 73.6 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York.
El cubismo representa la realidad mediante el empleo dominante de elementos geométricos, resultados del análisis y la síntesis. Los objetos no se representan como “son” o como se "ven", sino como han sido concebidos por la mente, que los deconstruye en sus formas geométricas esenciales, orientando la atención al lenguaje plástico, la observación y el análisis. Comprendamos cómo lo hace.
Ruptura del principio de imitación de la naturaleza en el arte
A diferencia de los movimientos predecesores, el cubismo se distancia abiertamente de la representación naturalista, es decir, del principio de imitación de la naturaleza como objetivo final del arte. Esto lo convierte en el primer movimiento de vanguardia propiamente dicho. El cubismo da un paso más allá al distanciarse, incluso, de la idea de representar la naturaleza según los modos de “percepción” de la vista o la emoción, en decir, en los efectos o los afectos. Es así como logra la deconstrucción plástica por la vía analítica, logrando crear en el cuadro una realidad propia independiente de cualquier referente y de cualquier intento por lograr la verosimilitud.
Síntesis y geometrización
Juan Gris: Arlequín con guitarra. 1919. Óleo sobre lienzo. Colección privada.
Supresión de la perspectiva y el claroscuro
Toda vez que no interesa la imitación de la naturaleza o de los modos de percepción óptica, el cubismo no se interesa en el claroscuro y en la perspectiva, elementos plásticos al servicio del principio de verosimilitud.
Superposición de planos
El cubismo yuxtapone diferentes planos en uno solo. La síntesis se hace total: al tiempo que sintetiza las figuras a su mínima expresión geométrica, sintetiza también en un solo plano los diferentes puntos de vista del objeto.
Incorporación de técnicas no pictóricas
Georges Braque: Violín y pipa, 'Le Quotidien'. 1913. Collage con tiza, carbón, papel. Centro Georges Pompidou, París.
Además de usar la pintura al óleo y otras técnicas habituales, los cubistas fueron los primeros en incorporar técnicas no pictóricas al introducir el collage, es decir, el uso de materiales diversos adosados sobre la superficie del lienzo.
Predominio de la forma sobre el fondo
En el cubismo, el análisis visual y los elementos plásticos en sí mismos tienen el protagonismo. Por ello, no se sienten obligados a representar temas trascendentes, sino que la cotidianidad se vuelve causa de inspiración para poder desarrollar un concepto.
Preferencia por el bodegón y la figura humana
Georges Braque: Violín y jarra. 1910. Óleo sobre lienzo. 117 x 73 cm. Kunstmuseum Basel, Basilea.
De lo anterior se desprende el interés en temas como el bodegón o naturaleza muerta. Son frecuentes los instrumentos musicales, frutas y objetos cotidianos, así como la figura humana despojada de cualquier valoración referencial (mítica, religiosa, histórica o filosófica).
Las características del cubismo parten, como toda transformación, de un proceso histórico con implicaciones políticas, económicas, culturales y artísticas. Muchas cosas estaban cambiando a finales del siglo XIX y principios del siglo XX.
El desarrollo tecnológico había llegado a un punto verdaderamente transformador. La invención del automóvil en 1885 y del aeroplano en 1903 había cambiado la percepción de la distancia y del tiempo. Las primeras transmisiones inalámbricas por radio en 1895 cambiaron radicalmente los parámetros de comunicación. La creación de cinematógrafo en 1896 permitió una nueva concepción de la imagen a la que se incorporaba el movimiento, con no pocas consecuencias para las artes visuales.
Por si fuera poco, los sistemas monárquicos europeos comenzaron a ser reemplazados por repúblicas democráticas, al tiempo que crecían el socialismo y el comunismo ante las dinámicas socioeconómicas generadas por el capitalismo. Era evidente que la nueva era que se abría paso, esta sociedad industrializada y masiva, no se veía reflejada en las artes plásticas tradicionales, que seguían atadas a la imitación de la naturaleza y/o al contenido.
Influencias del cubismo
La conceptualización del cubismo respondió también a las ideas que, tanto en lo artístico como en lo cultural, pululaban a principios del siglo XX, y que llamaban la atención de los jóvenes artistas. No solo había ideas nuevas, sino que había disponibles nuevas formas de mirar el mundo disponible.
Influencia del postimpresionismo
Paul Cézanne: Casas en L'Estaque. 1880. Óleo sobre lienzo.
Los postimpresionistas habían despertado la atención a principios del XX. Los jóvenes artistas residenciados en París se sintieron particularmente conmovidos por una exposición retrospectiva del pintor francés Paul Cézanne, llevada a cabo en 1907. Cézanne se caracterizaba por reducir los volúmenes de los objetos a elementos geométricos esenciales como el cilindro, el cubo y la esfera.
Georges Braque: Casas en L'Estaque. 1908. Óleo sobre lienzo. 73 cm × 59,5 cm. Kunstmuseum Bern, Berna.
Los nuevos artistas quedaron prendados de la sentencia del postimpresionista Paul Cézanne, para quien “todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro”. Por lo tanto, comenzaron a trabajar en la observación y análisis de la imagen, a fin de hallar sus elementos geométricos esenciales.
Influencia de la escultura africana y del arte ibérico
Izquierda: Escultura íbera del siglo III o II a.C. Derecha: Máscara africana.
Hacia finales del siglo XIX y principios del XX crecía el imperialismo occidental en África y Asia. Europa manifestaba un interés renovado por las expresiones culturales de aquellos pueblos, así como una fascinación ante nuevos hallazgos arqueológicos. En París se llevaron a cabo diversas exposiciones de arte africano y arte ibérico que Picasso y otros artistas tuvieron la oportunidad de apreciar.
Influencia del desarrollo tecnológico
La imagen bidimensional ya no se limitaba solo a la captación de un instante. La cámara cinematográfica había logrado hacer de la imagen una posibilidad temporal narrativa gracias a la invención de la técnica del montaje, introducida por Edwin S. Porter y desarrollada por Griffith. Si la fotografía liberaba a la pintura de la imitación de la naturaleza, el cine la liberaba de la obligación de contar historias. ¿Qué hacer de allí en adelante?
Influencia del pensamiento científico
Los artistas que desarrollaron el cubismo se vieron influenciados por las teorías de Albert Einstein. Para el conocido científico, era imposible determinar un movimiento; un objeto podía parecer estar quieto o el movimiento según la perspectiva. De allí resultaría, pues, el concepto de las perspectivas superpuestas.
El origen del cubismo
Pablo Picasso. Las señoritas de Avignon. 1907. Óleo sobre lienzo. 243.9 cm × 233.7 cm. Museo de Arte Moderno. Nueva York.
Actividad 2.Teniendo en cuenta el concepto de las vanguardias artísticas plasmar una critica social sobre un recorte de un periódico. técnica libre.
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